Sigo con mi repaso de mis imprescindibles de 2010, y aprovecho que hoy actuan en mi ciudad Deer Tick para destacar esta obra que los confirma como una de las bandas a seguir para los amantes del rock clásico, el folk y el country.
En sus dos anteriores discos, los recomendables "War Elephant" y "Born On Flag Day", John McCauley se daba a conocer como un excelente compositor de melancólicas melodías inspiradas en el country y la música de raíces, en las que destacaba su rota y dramática voz. Este rasgo tan característico de sus creaciones nos hacía albergar la esperanza de que con el tiempo sintiera la necesidad de evolucionar y arriesgarse para emprender un viaje en busca de un sonido más elaborado y personal.
Y parece ser que McCauley escuchó nuestras pregarias y con este "The Black Dirt Sessions" nos ofrece un atrefacto en el que pone su privilegiada voz al servicio de nuevos parámetros, retorciendo y complicando todos esos estandards que tan bien ejecutaba en un pasado, dando un paso adelante en su carrera y facturando su primera obra maestra.
En ella conviven la espiritualidad y la luminosidad de "Choir Of Angels" y "Twenty miles", la tristeza desesperada de "Goodbye, dear Friend", el folk melancólico de "The Sad Sun", la grandilocuencia de "Manage" y "When She Comes Home", y el dramatismo de la reversionada "Christ Jesus" con el que cierra magistralmente un disco adictivo y redondo.
Jack White es, sin duda una de las figuras incontestables dentro del panorama musical actual. Todos los pasos que ha dado en su carrera musical son intachables. No descubriremos ahora su discografía con White Stripes, y en los últimos años ha expandido sus horizontes con The Raconteurs y The Dead Weather, dos proyectos que no son para nada menores.
Otra de las facetas que me fascinan del personaje es ese punto de mitómano con el que tanto me identifico, y que tan bien explota desde su posición privilegiada. En 2004, White tuteló la resurrección de una de las damas definitivas del country como es Loretta Lynn y siete años después lo ha vuelto a conseguir con Wanda Jackson, la princesa del Rockabilly de los 50's. Este tipo de colaboraciones son todo una declaración de intenciones y una muestra de respeto y agradecimiento a los iconos musicales que poblaron su infancia y engrandecen y humanizan la leyenda de uno de los popes del rock actual.
Recuerdo la primera vez que escuché ese Van Lear Rose sin saber toda la historia que le precedía, y esas guitarras distorsionadas de "Portland, Oregón" hicieron que me fuera directamente a los créditos del disco y lo entendiera todo al momento. La huella de Jack White en la producción e instrumentación y la actitud de Lynn, cantando con todas sus energías, convierten lo que podría haber sido simplemente un buen disco de country en uno de los imprescindibles de la pasada década.
Y cae recientemente en mis manos este maravilloso The Party Ain't Over para comprobar que White continua en forma como arqueólogo. Parecía que el celebradísimo Heart Trouble de 2003 (en el que participaban Elvis Costello y los Cramps entre otros) era el canto del cisne de esta gran dama, pero esta orgía de furiosas trompetas, desgarrados rugidos y enérgicos gutarrazos que se ha sacado de la manga la vuelve a poner en primera fila mediática.
La exlosiva recreación de viejos standards del Rock'n'Roll como “Nervous Breakdown,” “Busted,” "Shakin' All Over," y “Rip It Up”, el etílico revivir del "Rum and Coca Cola" de las Andrew Sisters, la salvaje versión del "Thunder on The Mountain" de Dylan y a la deliciosa revisión del "You Think I'm No Good" de Amy Winehouse se nos antojan como los momentos cruciales de esta obra, que supone una celebración en toda regla de que esta mujer de 73 años siga cantando como si le fuera la vida en ello.
Poca broma con esta pequeña joyita, porqué te puede poner la piel del revés: Cheyenne Mize (Arnett Hollow) y Bonnie 'Prince' Billy (el último alias de Will Oldham, ex-Palace Brothers, Palace Music y no sé cuántos Palace más) han parido un miniálbum de 6 versiones de canciones populares americanas escritas entre 1873 y 1915, y el resultado es de gallina de piel. A lo mejor es que el temazo que compartió con Scoutt Niblet ('Kiss'), le dejó con ganas de más, y por eso Bonnie se ha buscado otra compañía femenina. Bendita idea. Quizás podrás acordarte de los discazos de Isobell Campbell & Mark Lanegan, por aquello del juego de voces masculina-femenina, o quizás te vengan a la mente las baladas de Elvis. Pero eso da igual, porqué lo único que importa es que disfrutes como un enano con la fragilidad folk de estas preciosas melodías, que suenan así...
Conduces a través del desierto. El viento te da en la cara y el sol ataca con justicia por tu cada vez más despoblada azotea. A tu derecha, hileras de cáctus. A tu izquierda, rocosas paredes se alzan en la distancia. Pasan kilómetros y kilómetros hasta cruzarte con un coche, y cada vez que eso ocurre, ambos vehículos tocáis el cláxon y levantáis la mano, en un saludo de solidaria empatía. Y piensas "¿qué narices estará haciendo ése en estas áridas tierras donde sólo conviven lagartos, serpientes, escorpiones o fugitivos huyendo de la justicia?"
Tienes la frente llena de sudor, y una gota que cae en tu ojo te produce un gran escozor. Pero por suerte el sol ya empieza a bajar, dejando el cielo en una preciosa orgía de azules y amarillos que se van convirtiendo a negros y naranjas. Piensas en el motel que hay a una docena de kilómetros, y en esa cama de muelles oxidados y ruidosos, y en la ducha con agua fría y sin presión, pero que ahora mismo te sabrá a lujoso jacuzzi. En la radio las interferencias se toman un respiro, y un histriónico locutor enlatado con ganas de parecer enrollado parece querer decirte que hay vida en pocos kilómetros a la redonda.
Y la hay. Un viejo cartel colgante de hierro forjado se balancea al ritmo del viento y provoca un chirrido que parece darte una no muy cordial bienvenida al motel. El encargado se despierta alarmado por el ruido del motor, y está a punto de caer de la silla en la que está recostado en la pared. Todavía con una brizna de paja en la boca, te abre la puerta de entrada, pasa detrás del mostrador, toma tus datos y te da la llave de la habitación 16. En el corredor del piso de arriba, se oye el ruido amortiguado de un viejo televisor en una de las pocas habitaciones ocupadas. Avanzas hasta el fondo del pasillo, y justo antes de la ventana, metes la llave en el paño de la habitación que queda a la derecha. Abres la puerta... y allí, sentados en los sofás, 6 tipos extraños tocan bellas canciones sureñas.
Con los problemas técnicos solucionados, me reincorporo a la guarida tras el letargo invernal.
¡Y empiezo fuerte! Uno de los discos que me tiene sorbida la sesera los últimos meses... Os dejo con la crítica que hice hace tiempo para el ruta y nunca se llegó a publicar.
Michael Gira es uno de esos maravillosos y poliédricos personajes que transitan por la inagotable escena del nuevo folk, sin los cuales no sería posible entender este fenómeno que se está cociendo en los últimos tiempos. Si hablamos de él podríamos hacerlo acerca de su banda actual, Angels of Light y de lo monumental que es ese We Are Him que no ha parado de sonar en la guarida del que os escribe, o de lo importantes que fueron los extintos Swans que tan magistralmente dirigió en los 80’s y principios de los 90’s; pero lo que realmente nos interesa abordar en esta ocasión es su faceta de descubridor de nuevos valores gracias a su valiosísimo trabajo al frente de Young God Records.
Descubridor entre otros de Devendra Banhart o Akron/Family, parece ser que sus tentáculos no descansan y no deja de sorprendernos con nuevos combos que saca de su mágica chistera y que vienen acompañados de trabajos de un nivel sideral.
Y es que este The Orchard es un viaje al meollo, a la esencia, a una época en que los músicos se reunían alrededor de una hoguera tras un duro día de trabajo y le cantaban al amor, la desdicha o a esos personajes malditos que tanto aterraban y atraían gracias a sus fechorías. Así, Colleen Kinsella (voces, harmonium, guitarra, acordeón, banjo), Caleb Mulkerin (voces, guitarra, banjo, dobro), Tom Kovacevic (voces, oud, nay, tamboritza, jembe, tamborín), Micah Blue Smaldone (voces, contrabajo, banjo) y Chriss Sutherland (voces, guitarra, doumbek) nos asombran con unas composiciones que deben hacer sentir hasta al más escéptico que la música está tan viva como lo estuvo en un pasado a veces demasiado mitificado.
Hace días que no me puedo sacar de la cabeza 'Veni Vidi Vici', tercer corte de esta maravilla de sonido heterogéneo que parieron estos chicos de Atlanta el pasado año.
Y esta noche, viendo medio adormecido Sexy Money ha sonado así, sin más, de sopetón. Y he de reconocer que me ha subido la adrenalina. Y he cantado eso de...
'Mirror mirror on the wall Who's the greatest of them all My man, Muhammad, Boy Jesus too Who's Messiah be good for you'
Gran estrofa... Yo, particularmente me quedo con Muhammad (Alí). Era enrome!!!
Para quien no conozca este disco he de decir que el lirismo de unas letras un tanto crípticas combina a la perfección con unas melodías de base garagera, pero con aderezos de lo más variopinto. Así, los trece cortes del álbum evocan a referentes tan incontestables y variados como los Sonics, The Pixies (sobretodo en la citada Veni...), Merle Haggard (How Do You Tell) o The Cramps (Lean). Pero la grandeza de estos cuatro colosos es que usando una materia prima de primera calidad como la que hemos citado, consiguen facturar un sonido totalmente propio. Así pues, ese punk rock gargero de marcado acento sureño, consigue enervarnos y sacar el leopardo que llevamos dentro con cortes del calibre de Katrina, Cold Hands (realmente adictiva!) o Bad Kids.
Disco ABSOLUTAMENTE imprescindible si te gusta el punk y realmente corre sangre por tus venas.
Hace unos días filosofábamos acerca de lo que ha cambiado el panorama musical en unos cuantos años, y el bolo que nos ofrecieron estos geniales canadienses podría empezar otro debate y servir como ilustrativo ejemplo de cómo ha de ser una banda hoy en día para sobrevivir. Y es que lo que es bien claro es que aquí nadie vende una cantidad de discos suficiente para subsistir comodamente y hasta los más grandes se ven obligados a girar para ganarse el pan. Y los pequeños... aún más.
Así pues, si entramos en la web o el myspace de cualquier banda que quiera vivir de la música podremos observar que su vida es un tour constante, un contínuo devenir que les lleva por minúsculas salas de todo el mundo. Y lo mejor (o peor) de todo es que todos esos grupos saben positivamente que el mayor salto que pueden dar es el llegar a tocar delante de mil personas en lugar de treinta. Se acabaron los farsantes que tenían una banda por las groupies, la party y las drogas. Hoy en día sólo subsisten los que llevan la música corriendo por las venas, no se conforman con regocijarse pensando que su último disco es el definitivo y están dispuestos a derramar su talento dónde sea y ante quien sea.
Y el pasado jueves estábamos treinta melómanos (entre ellos un par de leopardos) y una pedazo de banda en la minúscula pero acogedora Sala Rock Sound. A Eliott Brood les importa un carajo si tocan delante de treina o de tres millones, su repertorio es demoledor y lo saben. Lo más fácil para ellos hubiera sido lamentarse de la escasa asistencia de público al evento y salir ahí derrotados, tocar sin darlo todo durante un ratito, culpar a la ausencia de monitores para escusarse que el sonido no es todo lo bueno que debería y todo el mundo les hubiera olvidado de camino a casa.
Pero no, no fue así en absoluto!!! Este trío son unos supervivientes, y con la actitud que mostraron podrán vivir de la música el tiempo que a ellos les dé la gana. Salieron a matar, y consiguieron algo tan difícil como es calentar la atmósfera de una sala vacía. Sorprendentemente, parecía que en lugar de treinta allí éramos doscientos. Así, los temas de su enorme 'Mountain Meadows' (Fingers And Tongues, Write It All Down For You, Without Again, Garden River, Chuckwagon...) se iban alternando con cortes del anterior 'Ambassador' y geniales versiones de White Stripes (Hotel Yorba), Neil Young (Powderfinger) y Johnny Cash (Ring of Fire como grand finale) para dejarnos a estos treinta afortunados un recuerdo polvoriento, enérgico y feliz de una de las mejores bandas de la nueva escena revisionista de la música de raíces americana.
Fanáticos de Marah, los Blind Melon más acústicos, Felice Brothers, Jenny Lewis o Bright Eyes, no os lo penséis y compraos este 'Mountain Meadows', que es pura medicina para el alma. Si de momento le queréis pegar un check, siempre podéis revisitar la entrada que hice en su día del disco.
Aquí os dejo una pequeña muestra de lo que fue el concierto...
Día lluvioso y frío en la jungla. El cuerpo me pide las caricias sonoras de estos canadienses. La voz sutil y sedosa de Margo Timmins siempre me llega hasta las entrañas en días como hoy. Y más si pincho su mejor obra, The Trinity Session.
La banda tenía la intención de que su segundo disco fuera grabado a la antigua, con todos ellos rodeando el micro y tocando en directo. Y así lo hicieron. Pero la historia no es tan simple como todo esto. Si este disco es sumamente especial es porque le ha acompañado una mística a lo largo de los años.
Y es que debido a que esta manera tan singular y cruda de gabar requería un lugar con una reberveración especial, rastrearon su Ontario natal y llegaron a la conclusión que el lugar ideal para tan solemne acontecimiento era la Iglesia de la Santísisma Trinidad. Pero había un problema. ¿Cómo se tomaría el párroco el hecho que una banda que se llamaba los Cowboys Junkies quisiera grabar en su iglesia? Es por eso que se presentaron como the Timmins Family Singers y dijeron que iban a grabar un especial de navidad para la radio.
Sea como fuere, y después de una agotadora sesión de prueba de sonido de seis horas, el 27 de noviembre de 1987, consiguieron capturar del tirón doce cortes que transmiten penumbras, luces, siluetas, transluces, lamentos, susurros y unas emociones francamente irrepetibles. Y es que para mí, The Trinity Session siempre serán palabras mayores...
Si hay un par de mujeres que me atrapan de la escena de country alternativo actual, esas son Jenny Lewis y Neko Case. Ya he hablado de ellas anteriormente en la guarida, y poco a poco irán cayendo todas y cada una de las obras que han facturado este par de princesas leopardas.
Hoy le toca el turno a esa trotamundos ne nombre exótico y roja cabellera que se emancipó de sus padres a los quince años para tocar la batería en diversas bandas de la escena punk del noreste americano. Posteriormente estudiaría arte en Vancouver y allí se introdujo en la escena rocker gracias a que formó parte de The Weasers. Más tarde formaría su propia banda y se trasladaría a Chicago. Allí empezó a evolucionar a pasos agigantados,editó su primer disco en solitario ('The Virginian') y comenzó a fraguar la leyenda de diva del underground country que hoy le acompaña.
El disco que hoy nos ocupa es el descomunal directo 'Tigers Have Spoken' grabado en la gira de 'Blacklisted', parte de la cual la realizó junto a Nick Cave. Para la ocasión se hizo acompañar de los country surfers canadienses The Sadies, y eso le añade unos matices francamente especiales a un directo ya de por sí explosivo, ya que no se limitan simplemente a ser una banda de acompañamiento. Componen las enormes 'If You Knew' y 'The Tigers Have Spoken' junto a Case y la presencia de todos ellos junto a Jon Rauhouse al pedal steel es bien notoria. El repertorio incluye también diversas versiones donde la diosa pelirroja homenajea a The Shangrilas (Train From Kansas City), Townes Van Zandt (Loretta), Loretta Lynn (Rated X), Buffy Sainte-Marie (Soulful Shade Of Blue) o se adentra en la tradición de raíces de la america profunda (This Little Light y Wayfaring Stranger).
En definitiva, una artista y una obra francamente imprescindible para los amantes de la música de raíces, a pesar de que Neko Case es tan especial que me cuesta clasificarla con una sola etiqueta musical.
Si escuchas este pedazo de disco y quieres más, siempre puedes revisar el post que hice del genial 'Fox Confessor Brings The Flood', su obra más reciente que grabó con Calexico como banda de acompañamiento. No tiene mal gusto para las amistades esta chica...
Gracias a la recomendación del amigo Manel, consigo este segundo disco de los canadienses Elliott Brood y la verdad es que tengo que darle la razón. Este combo factura un country de difícil clasificación, pero altamente atractivo. En algunas webs de su país los califican como death country o urban country. Sea lo que sea, enriquecen sus influencias centradas en la música tradicional americana hasta elaborar un sonido y una atmósfera completamente personal. Si tuviera que compararlos con alguna otra banda, tal vez nombraría a Marah, aunque creo que Elliott Brood tiene un toque un punto más oscuro.
Esperemos que en directo tengan la energía y el talento que demuestran en este excelente 'Mountain Meadows', puesto que su gira española es inminente y yo no pienso perderme su bolo en la sala Rock Sound en Barcelona. Las fechas de la gira son las siguientes:
En los últimos años han predominado los grupos indies de chico-chica con notables resultados: The Raveonettes, White Stripes, The Kills, Moldy Peaches... ahora podemos sumar a esta lista a otra banda de aires exquisitamente retro y que mira al pop de armonías vocales, el country, y las girl bands de los ’50 y ’60: SHE es Zooey Deschanel, bella actriz de películas como ‘Elf’ o ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’. HIM es M. Ward, músico con carrera propia, y que también ha colaborado con nombres ya familiares en esta guarida leoparda, como Neko Case, Conor Oberst o Jenny Lewis. Ambos se conocieron en el rodaje de la película ‘The Go-Getter’, y descubrieron pasiones musicales comunes que acabaron gestando el dueto.
Y es que resulta que Zooey había grabado montones de demos que estaban guardadas en casa porqué tenía vergüenza de hacerlas públicas. Vía mail, SHE le hizo llegar las demos a HIM desde Los Angeles a Pórtland, y éste les aplicó su sapiencia musical para pulirlas y darles ese toque a medio camino entre las melodías de Brian Wilson y las atmósferas del muro de sonido de Phil Spector. Ellos nombran como influencias a gente tan dispar como las Ronettes, Les Paul & Mary Ford, Nina Simone o Chet Atkins, y yo le añadiría otros nombres como Nancy Sinatra, Judy Garland, Loretta Lynn o las Supremes. Ingenuas historias de amores y desamores, composiciones naïves y versiones de clásicos como el ‘You Really Got A Hold On Me’ de Smokey Robinson & The Miracles, ‘I Should Have Known Better’ de los Beatles o un espiritual popular como canción oculta, ‘Swing Low, Sweet Chariot’. Pop encantador en estado puro con alguna pedal steel guitar para rememorar esos ya lejanos días estivales, ahora que vienen el frío, la lluvia y la madre que parió a toda esta mierda de época del año que (maldita sea!) sólo acaba de empezar...
Ya sé que aún quedan unos días para empezar Octubre, pero ya tengo bien claro cuál será el disco que me obsesione durante el siguiente mes. Mi rugido marrón. Este es, sin duda, el segundo L.P. en solitario de la diva leoparda Jenny Lewis.
Si en su anterior trabajo con Rilo Kiley experimentaba sin demasiadio éxito con los sintetizadores y se adentraba en terrenos en los que se le nota muy fuera de lugar, en sus discos en solitario se resitúa y consigue alcanzar altas cotas de inspiración. Ya reseñé su anterior y celebrado trabajo 'Rabbit Fur Coat', en el que daba una lección magistral de música americana de raíces. Y ahora cae en mis manos este 'Acid Tongue', de portada tan lisérgica.
En esta obra vuelve a recuperar el encanto y el espíritu de todos esas grandes leyendas sureñas, sin olvidar de dotarla de un aire fresco y actual. En esta ocasión se rodea de amistades y admiradores tan célebres como Elvis Costello, Chris Robinson, M. Ward o la actriz Zooey Deschanel y construye un disco que nos conmueve y emociona con unas canciones a ratos sutiles y a ratos poderosas. Así, las delicadas y melódicas «Black Sand», «Acid Tongue» (bellísimo homenaje al LSD) y «Pretty Bird», se entremezclan con cortes más poderosos como la pantanosa «New Messiah» , la explosiva «See Fernando», la luminosa y gospeliana «Jack Killed Mama» o el pegadizo single «Carpetbaggers», dibujando lo que es, a mi felino entender, uno de los discos del año.
El siguiente video es el anuncio de una línea telefónica donde se repite en bucle el single, 'Acid Tongue'. Hay competiciones en la red entre enfermos que aseguran que la han llegado a escuchar más de cincuenta veces seguidas.
Esta seccíón nace con un objetivo bien definido, claro y concreto: el de la exaltación de esos seres supremos que nos cautivan con sus melodías y cantos (no precisamente de sirenas) y que al mismo tiempo nos enamoran con sus miradas, movimientos y actitudes. Son ese selecto grupo de mujeres que nos sacan ese instinto leopardo que tan adentro tenemos guardado.
Y para empezar elijo una diva de las de hoy en día. Joven, talentosa y con un futuro más que prometedor. Se trata de Jenny Lewis, lider del grupo underground angelino Rilo Kiley. Esta ex actriz infantil, pese a su juventud, lleva muchos años pateándose clubs y cantinas californianas construyendo una carrera cada vez más exitosa.
En días subsiguientes colgaré lo bueno y mejor de Rilo Kiley, pero debéis ser pacientes. Si cazáseis en la sabana como lo hacemos Green Dumb, Black Deaf y yo sabríais que la paciencia siempre da buenos frutos. Hoy hablaré del disco en solitario que editó el año pasado con la colaboración (entre otros) de las gemelas Watson. Éste es a mi entender es su mejor trabajo hasta la fecha. Lewis aprovecha esta escapada de la banda de su vida para reivindicar, desde un punto de vista actual y atractivo a todas esas grandes damas del country que poblaban la discografía de sus padres. Así, podemos reconocer tras esos doce cortes su admiración po Patsy Cline, Loretta Lynn, Emmilou Harris o Lucinda Williams. El disco tiene infinidad de grandes momentos y registros que van desde la lánguida melancolía de 'Happy' hasta la calidez de 'Big Guns', combinadas con el áurea de Lucinda Williams sobrevolando 'The Charging Sky' o el subidón que me provoca el dueto con su amiguísimo Conor Orberst mientras homenajean al dream team Travelling Wilburys a ritmo de 'Handle With Care'.
Si en un post anterior decía que 'Cassadaga' de Bright Eyes estaba en el top five de discos de americaba de los 00's, considero que 'Rabbit Fur Coat' también lo está. Sin duda.
Rezo a la luna llena que reina en la jungla para que todas esas canciones puedan cobrar vida algún día en directo justo delante de mis bigotes, porque bien seguro que durante el rato que durase el show uno no pasaría de ser un gatito manso. Ya dicen que cierto tipo de música amansa a las fieras...
Lewis acaba de editar un nuevo disco en solitario titulado 'Acid Tongue' en el que colaboran Chris Robinson, Conor Orberst y Elvis Costello entre otros. Tiene una pinta tremenda!!!
Este es, a mi modesto entender, uno de los cinco discos imprescindibles de Americana de esta década. Entregué una crítica que escribí con el sudor de mi cola y mis zarpas a la revista donde colaboro y nunca llegaron a publicarla. Me la vuelvo a leer y sigo estando de acuerdo con todo lo que escribí, así que hago un corta y pega para que vea por fin la luz.
"Conor Oberst se ha hecho mayor. ¡Y de qué manera! El niño prodígio que lideró en 1994 Commander Venus con catorce añitos y que en 1998 fundó Bright Eyes junto a Mike Mogis edita lo que es para un servidor una obra clave en el devenir de la banda e incluso de la música americana de raíces de esta década. La profunda carga emocional de sus composiciones y el enigmático encanto que transmiten sus letras hacen de esta sexta entrega de los de Nebraska un disco imprescindible que los equipara a jóvenes talentos del calibre de Cat Power o Marah. "Cassadaga significa simplemente la premonición de un sitio que vais a visitar". De esta manera la esotérica voz de una vidente nos pone en guardia y un interesante viaje comienza a ritmo de la sutil y enigmática «Clairaudients (Kill or Be Killed)». Pronto nos encontramos la primera encrucijada en el viaje y hemos de seguir una de las cuatro direcciones que nos marca el brutal medio tiempo con aires de bluegrass «Four Winds». Más tarde nos damos cuenta de que necesitaremos el favor de un ser sobrenatural para seguir el camino correcto en la épica «If the Brakeman Turns My Way». Así van cayendo las canciones de manera que cada una significa alguna parada en el camino o algún personaje interesante que nos acompaña en parte de él. Tanto nos podemos topar con un «Soul Singer in a Session Band» en otro de esos temas que sobrecogen por su intensidad y belleza o agenciarnos uno de esos «Classic Cars» que se ensalzan en este corte que tanto nos recuerda al maravilloso Countrysides de Cracker. Otro de los momentos cumbres de esta obra magna de Orberst es justo antes del final del viaje cuando bucea en sus temores y sentimientos y grita desconsolado «I Must Belong Somewhere» en una composición en la que parece resucitar el espíritu de Gram Parsons. El final de todo viaje y la vuelta a casa siempre resulta triste y más si lo haces a la sombra de un amargo «Lime Tree» que cierra uno de esos discos que una vez has asimilado sabes que te van a acompañar a lo largo de los años."
Me decido a colgar el que es Disco del Mes de Septiembre en el Rock'N'Roll Magazine RUTA 66, en el cual se dejan caer estas zarpas felinas en forma de artículos cada mes. Antes que nada querría decir que suscribo plenamente una frase de su crítica. Es la siguiente: "Este disco me tiene completamente pillado por los huevos...". Totalmente de acuerdo, amigo Toni Castarnado, gran crítica. Esa es exactamente la sensación. Y es que el amigo Orberst es uno de los personajes más interesantes y creativos dentro del panorama musical actual. Su último disco con Bright Eyes, el celebradísimo 'Cassadaga' (2007), es una jodida maravilla. Luego Conor pasa una intensa experiéncia espiritual en el Valle Mísitco Mexicano, ve la luz y funda la Mystic Valley band con miembros de Rilo Kiley, Cat Power y otras bandas punteras de la escena angelina, con la que publica su primer disco en solitario. Y lo ha vuelto a hacer!!! Otro disco de esos que te acompañan durante mucho tiempo!! Hay guiños a la música de raíces americana, a Bob Dylan, a Ryan Adams, a los Jayhawks y a un montón más de esos héroes de segunda fila que me han cautivado desde siempre. Aquí una muestra. Su single (aunque no de las mejores canciones) Souled Out.
Indudablemente una de las mujeres que me tienen hipnotizado últimamente y una auténtica diva underground. La catalogan como artista alt country, pero creo que es una de esas criaturas que no admite etiquetas. Si bien es ciero que tiene una base que bebe directamente de la música de raíces americana, la alterna con elementos plenamente actuales de una manera tan personal como atractiva. He descubierto recientemente esta maravilla y he decidido que mi primer zarpazo al blog sea elegante y sutil como esta cálida belleza sureña de nombre exótico. Lástima que mi ceguera no me permita verla...
El único objetivo de este blog es compartir la pasión que nos provocan aquellos artistas que nos remueven algo ahí adentro y nos dan fuerzas para salir a la selva cada mañana. Nuestra idea es sólo dar a conocer a estos artistas, y que los lectores puedan tener la oportunidad de tomar contacto con su música para decidir si les resulta interesante o no. Sobra decir que el único lucro que obtenemos es espiritual, y que desde aquí animamos a todos los amantes de la música a seguir inviertiendo en los artistas, de la manera que la conciencia de cada uno crea más conveniente.
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