9 años después de su última aparición, los ingleses PULP se reunirán por primera vez con motivo del festival Primavera Sound que se hará en Barcelona el próximo mes de mayo. Será la segunda vez que los de Sheffield actúen en este festival, pues muchos recordamos su estreno en 2002 en el Poble Español, con Jarvis luciendo una horrorosa camiseta amarilla con el toro. Por ahora, la organización no ha revelado si lo harán para tocar un disco en concreto, si será un concierto al uso, o incluso si Jarvis Cocker y compañía presentarán nuevo disco. Pero en cualquier caso, se confirma que en la espiral de retornos, ahora le toca al brit-pop. Este mes veremos a Suede; Blur están en la misma dinámica; ahora Pulp... ¿cuánto tardarán en volver Elastica, Echobelly y compañía?
ACTUALIZACIÓN!!
El concierto (que será la reunión de la banda en exclusiva mundial tras 9 años separados) será el VIERNES 27 de MAYO, y repasarán TODA su discografía, y no sólo un disco como han hecho otras bandas en la historia del festival...
A través de su página web, los de Boston regalan descargas gratuítas de antiguas grabaciones de conciertos de sus diferentes etapas. Por ahora, ya te puedes bajar la actuación en el Festival Coachella de 2004, otro show de ese mismo año en Minneapolis, y un concierto en Manchester de 1988. Tan sólo te has de inscribir a su lista de correo para poder acceder a las descargas. Y si no, siempre te quedarán los leopardos para que puedas catar el néctar de las guitarras divinas...
Continúo con el especial Semana Santa. Entré en contacto con Marilyn Manson en tiempos de la facultad, por culpa de mr. Brown Blind Leppard, un buen amigo común y algún que otro lector leopardo que nos sigue desde escandinavia. No recuerdo si primero ví alguna portada suya, o alguna camiseta, o algún video, pero mis primeros sentimientos fueron de miedo. ¿Quién cojones era ese tipo con cara de asesino en serie, nombre de asesino en serie y música infernal para asesinos en serie? Así pues, mi primera emoción respecto a aquella especie de monstruo fue de total rechazo.
Los 3 leopardos antes mencionados estaban obsesionados con aquél personaje, y así pasó a formar parte de mi entorno cotidiano. Escuchaba sus canciones repetidamente en un programa de radio que perpetrábamos desde unas catacumbas propias de una snuff movie; oía las historias que me explicaban casi enajenados, y la brutalidad y la lluvia de lapos en el mítico concierto en la sala Bikini (que yo no ví) se convirtieron en una especie de leyenda del nuevo antimesías.
Y en esto que, un buen día, en el examen de una asignatura optativa, dejé copiar a una chica que llevaba años intentando sacarse ese maldito temario. Y aprobé. Y aprobó. Y pocos días después, me quedé de piedra cuando la chica, eufórica, me regaló una bolsa de una tienda de la calle Tallers, con un disco dentro: 'Antichrist Superstar'. Le dije que no hacía falta, que por qué había hecho eso, pero ella estaba tan ilusionada y contenta por haberse sacado de encima aquella asignatura, que no pude rechazar su regalo. Y, viéndola así, también me sabía mal decirle que a mí no me gustaba ese freaky monstruoso, que eso era cosa de mis amigos, y que yo en esa época era muy feliz disfrutando con mis discos de Blur, Oasis, Suede o Pulp.
Pero claro, si cae en mis manos un disco, mi curiosidad innata me hace incapaz de no escucharlo. Así que lo puse en el CD de casa, le dí al 'play'... y pasó lo que tenía que pasar. Acabé abrumado por la brutalidad sonora del anticristo. Atrapado por la lucidez y la rabia de sus letras. Fascinado por la oscuridad de su estética. Y obsesionado e igual de enajenado que mis amigos por el lúcido y perverso universo de mister Manson. Y, durante meses, no hubo ni un solo día de mi vida que no escuchara al menos una vez la canción final del disco, 'Man That You Fear', que me tenía absolutamente enganchado. O, en los días de incomprensión y frustración hacia la mierda de mundo que me rodeaba, nada mejor que '1996' para sacar toda la bilis que pudiera tener acumulada.
Y le fuimos a ver en concierto con la cara pintada. Y justo antes, a una entrevista en la radio en la que por poco pensé que uno de los gorilas de mr. Manson acabaría apalizando a mr. Brown, y con solo un vidrio de por medio separándonos de aquél ser, me dí cuenta de que, realmente, mi primeros sentimientos estaban plenamente justificados: aquél tipo daba realmente miedo. Por su aspecto, pero casi aún más por la lucidez que transmitía en cada una de las entrevistas que le leí o ví por aquél entonces. Y, curiosamente, recuerdo también que me encantaba escuchar su música con los auriculares desde la cama, con la habitación a oscuras en plena noche, en una especie de ritual sadomasoquista de terror emocional para exorcizar miedos y traumas de la postadolescencia.
Con el tiempo fui perdiendo interés por la posterior carrera artística de Manson. Probablemente su propio personaje se le acabó comiendo. Pero por mucho que uno vaya cambiando de gustos y perspectivas, nunca nadie me podrá hacer cambiar de opinión respecto a este disco: una verdadera obra maestra.
Amigos leoPOPpardos, estamos de enhorabuena: tras 7 años sin tocar juntos, Blur ha anunciado un concierto de retorno en Hyde Park para el próximo 3 de julio. No sé si eso significará también la inminente salida de un nuevo disco, pero eso, sinceramente, ya no me importa tanto. La verdad es que los últimos trabajos de la banda londinense me dejaron bastante frío, pero su época inicial fue suficiente para poner una optimista e ingenua banda sonora a nuestra adolescencia tardía.
Corría el año 1994, y todos estábamos imbuídos por el espíritu del grunge. Vestíamos tejanos rasgados, camisas de cuadros desgarbadas, y proclamábamos a los cuatro vientos que la vida era una mierda. Un servidor pasaba cada día por la calle Pelai de camino a la facultad, y quedaba maravillado por los pósters en las paredes que anuciaban discos y conciertos de grupos que desconocía: aquella lavadora con el nombre de Sonic Youth, aquella especie de perro fregona que saltaba una valla al ritmo de Odelay, aquél Pop Festival en el Parc de Can Solei de Badalona... acompañaron mis paseos entre el metro y clase en mis años de facultad. Como también lo hizo un curioso póster de dos galgos de carreras en primer plano, y con el nombre de Blur en la portada... ...uno, que era fanático de Sputnik (una de las pocas ventanas al rock que había en la TV en aquellos tiempos sin internet), una semana vio que anunciaban un concierto para el programa siguiente: Blur. "¿Estos no son los de la portada de los galgos? Pues lo grabaré, y a ver de qué van..." Y lo grabé. Y lo ví, y me encantó. Y lo volví a ver. Y otra vez. Y me compré el disco. Y lo escuché. Y lo volví a escuchar. Y otra vez. Y lo empecé a escuchar en mis noches en el Sr. Lobo, en el A Saco (hoy, Razzmatazz), en el New York, en el Panams, en el Karma... y me compré 'Modern Life Is Rubbish'. Y 'Leisure'. Y un documental en VHS. Y les ví en concierto unas cuantas veces. Y me compré sus camisetas. Y les grabé los discos a mis amigos. Y me frustré cuando el tormentón en Benicassim '97 que obligó a suspender su show. Yyyyy... se convirtieron en una de mis bandas de cabecera, incluso por encima de unos Oasis a los que descubrí un poco antes por casualidad en la Virgin Megastore, en una tarde de campana de clase de inglés... Y es que 'Parklife' estaría entre mis 5 discos de pop de la última década del siglo XX: recuperando el espíritu de los Kinks, o de Madness, o de los Jam... Damon Albarn y compañía se curraron un discazo de pies a cabeza, con hits revientapistas como 'Girls & Boys' o 'Parklife' (junto al protagonista de 'Quadrophenia', Phil Daniels), baladas de gallina de piel como 'This Is A Low', 'End Of A Century' o 'To The End' (junto a la Stereolab Laetitia Sadier), pelotazos como 'Jubilee' o 'Bank Holiday', enganchosas joyitas pop como 'Tracy Jacks' o 'Magic America', y hasta marcianadas como 'The Debt Collector' o 'Lot 105'. Y claro, llegamos a creernos que la vida podía ser divertida...
Amo a Pavement desde el día que les conocí gracias a un buen amigo (¿o fue de casualidad en una mediateca de préstamo? Máldita memoria de mosquito...). Ese aire desenfadado, semiamateur, desgarbado... esa ironía, esa intranscendencia, esa 'campechanidad' que te hace verlos como si fueran uno de esos compañeros de clase freakies que viven en su mundo... y, encima de todo, esas enormes canciones de pop psicodélico, raro, incluso cacofónico, con instrumentos que entran cuando parece que no deberían, o sonidos trabajadísimos pero que podrían colar como improvisados en una jam session estupefaciente.
'Crooked Rain, Crooked Rain' fue el segundo disco de los de Stockton, tras el también brillante 'Slanted & Enchanted' (1992). Y no sé si el ácido con el que lo debieron componer era más puro de lo normal, pero para mí este discazo está un punto por encima de los otros 4 que editaron: las canciones caminan solas, una tras otra, y te llevan a un viaje psicodélico, ecléctico y magnético. Desde el country alternativo de la genial 'Range Life', al free-jazz instrumental de '5-4=Unity', la psicodelia de 'Silence Kid' (erróneamente transcrita como 'Silence Kit' en la contra del disco), el pop desenfadado de 'Cut Your Hair', o la magia de mi canción preferida de la banda, la preciosa 'Stop Breathin'. Letras llenas de ironía y escepticismo que atacaban lo absurdo de la vida humana desde una perspectiva aparentemente más amable (aunque igual de corrosiva) que, por ejemplo, sus coetáneos del grunge. Banda impresicndible del indie americano de los 90, e influencia decisiva para decenas de bandas posteriores, incluídas la gran mayoría del boom del indie nacional: Inquilino Comunista, Planetas, El Niño Gusano, etc. Si escuchaste a los Alex & The Horribles (cuyo disco colgamos meses atrás en este blog, y a los que entrevistamos en exclusiva leoparda), te darás cuenta enseguida de la influencia decisiva de los californianos.
Hablar de Pavement es acordarme también del tormentón que echó por tierra el escenario de Benicàssim '97 mientras tocaban Urusei Yatsura (salieron vivos de milagro). Ellos tocaban después, como Blur o Veruca Salt, conciertos que quedaron suspendidos mientras la multitud despavorida huía histérica y casi en barca de la zona de acampada inundada. Suerte que les habíamos visto meses antes en Bikini, donde luego también pude ver a Stephen Malkmus en solitario, ya con Pavement disueltos...
Nada, que repasando la reedición de lujo de 'Brighten The Corners' me he dado cuenta que en los 3 meses de vida del blog leopardo todavía no he mencionado a una de las bandas más geniales del indie americano de los 90. Prometo expiar pronto mis culpas con la discografía completa de Pavement y algún disco en solitario de Stephen Malkmus. Ala, me voy con mi catarro felino a otra parte...
Siguiendo el hilo del universo John Waters, pero bajando un poco las revoluciones en cuanto a freakismo y personajes grotescos, me ha apetecido hablar del grupo definitivo del movimiento de Riot Girl Bands que irrumpió con fuerza en los 90's.
Y digo que L7 pertenecen al universo Waters porque en más de una entrevista, el genial director ha confesado que le encanta conducir por la zona rica de Baltimore con las ventanillas bajadas, su stereo a todo trapo y L7 perturbando la paz de las mentes bienpensantes de abuelitas, banqueros, ejecutivos y demás entes del sector conservador de la sociedad. Así no es de extrañar que las angelinas aparezcan (camufladas bajo el nombre de Camel Lips) en el genial film 'Serial Mom' interpretando el tema Gas Chamber.
Pero L7 son mucho más que una simple aparición en una buena película. Ellas, tal y como decía antes, encabezaron una generación de bandas de chicas que demostraron al mundo que las mujeres también podían punk-rockear con la misma intensidad y talento que los hombres. Babes In Toyland y Lunachicks también fueron la punta de un iceberg que luego irían completando infinidad de combos (Bikini Kill, Bratmobile, Sleater-Kinney...), pero nunca llegaron a facturar una colección de obras tan inspiradas y completas como las de Donita Sparks (cantante), Jenifer Finch (Bajo), Suzi Gardner (Guitarra) y Dee Plakas (Batería).
Y si me he de quedar con un solo disco de estas angelinas locas, me quedo sin duda con este 'Bricks Are Heavy', que fue el que me introdujo a la banda y el que he escuchado hasta el vómito a lo largo de los años. Así, temas como Pretend We Are Dead, Wargasm, Everglade o Shitlist forman parte de mis recuerdos, mis sentimientos y mis pensamientos más íntimos. Están ahí, clavados para siempre.
Además, este es el disco que les dio una cierta notoriedad y les permitió ver el mundo desde la cima aunque fuera desafortunadamente tan sólo por unos meses...
Como prueba, esta mítica actucaión en el Rock in Río del 93, con dos invitados de lujo en el escenario...
... O su mítico bolo del Reading del 92 dónde Donita, tiró su tampón usado a la gran masa...
...O en esta recordadísima aparición en el programa de la BBC The Word en el que Donita acabó bajándose los pantalones y mostrando su bello púbico a los británicos, para enfado de la Reina Madre...
Empezaré este post donde había acabado en el que recientemente he escrito de Mother Love Bone. Con la reciente muerte del genial Andrew Wood, compañero de piso de Chris Cornell (Soundgarden). Los Bone han dejado de existir como banda. Jeff Ament y Stone Gossard quieren continuar su carrera musical, y lo primero que se les ocurre es hacer un disco en homenaje a su amigo muerto. Piden la colaboración de Chris Cornell y éste accede encantado.
Recluta a Matt Cameron (Soundgarden) para la batería. Puntualmente también participarán Mike McCready y un desconocido Eddie Vedder (ambos formarán parte de Pearl Jam posteriormente junto a Ament y Gossard). Lo cierto es que ésto fué posible porque paralelamente a este proyecto se estaba gestando la formación de la célebre banda de Seattle qu debutaría en 1992 con el enorme 'Ten'. Vedder y McCready ya sentían que formaban parte de todo aquello y la verdad es que su presencia provoca el momento más brillante del disco, la enorme 'Hunger Strike', que a la postre sería el single del disco.
'Say Hello 2 Heaven', 'Call Me a Dog', 'Wooden Jesus' y los demás cortes del L.P. son brillantes, pero la combinación de dos de las voces definitivas de los 90's al servicio de una canción de la calidez de 'Hunger Strike' hace que lo sintamos una de las cúspides creativas de la década de los 90's.
El otro día buscando un disco de Lanegan me topé con una de las obras que escuché más al final de los 90's. Hacía un par de años que no la pinchaba y la verdad es que es tan buena y tan especial que me he dado cuenta de que ha mejorado con los años, como el mejor vino.
Gracias a que pearl Jam, Soundgarden y Temple of The Dog tomaron mi alma, el camino lógico que debían recorrer mis zarpas era, evidentemente, la senda del reino del genial Andrew Wood... Pese a ser una de las bandas referentes del Grunge, lo cierto es que Mother Love Bone murieron antes de que el movimiento naciera. Deberían ser considerados como una primera semilla que un par de años más tarde germinó con la fuerza de una tormenta tropical. A diferencia de las otras bandas de Seattle que decidieron tomar el metal de Black Sabbath o el indie rock de los Pixies como referencia, Mother Love Bone, tomaban como punto de partida el glam y la grandilocuencia de bandas como T Rex o Queen para elaborar un sonido personal y único que se sustentaba en el carisma de su enorme frontman. La prematura muerte de éste, hace que tan sólo nos haya quedado este 'Apple' que me acompañará el resto de mi vida.
Es innegable que a quien le guste Pearl Jam, Queen y Jane's Addiction y no conozca este disco puedo asegurarle que el día que su vida se cruce con canciones de la talla de 'This is Shangrila', 'Stardog Champion', 'Holly Roller', 'Stargazer' o 'Capricorn Sister' (enorme homenaje a Freddie Mercury) habrán quedado infectados del virus de Mother Love Bone de por vida.
Andrew Wood merece una mención a parte. El que fuera compañero de piso de un jovencísimo Chris Cornell, estaba destinado a ser un dios del rock, puesto que la multinacional que los fichó estaba decidida a promocionarlos para el estrellato. Su carisma era tan incontestable y sus letras tan buenas, que con los medios adecuados su cara hubiese acabado en las camisetas de un ejército de adolescentes. Pero la jodida heroína lo fastidió todo. A unos meses de la edición de 'Apple' Andrew entró en coma por una sobredosis. Los médicos hicieron lo que pudieron pero fue desconectado mientras sonaba 'A Night At The Opera', su disco favorito de su amada Capricorn Sister.
Pero el guitarra y el bajo de la banda, Stone Gossard y Jeff Ament querían seguir con su carrera... Pero esa es ya otra historia que otro día contaré. (joder este último párrafo me ha recordado a cuando mi abuelo me contaba cuentos, ¿no me estaré haciendo viejo? ¿No?
Pese a que no descubrí este álbum hasta 1998 aproximadamente, considero este disco un clásico desde el primer día que lo escuché.
A the Melvins los descubrí porque había leído que eran del mismo pueblo que Cobain y Novoselic (Aberdeen)y que Buzz Osbourne fue profesor de guitarra de Cobain y quien le introdujo en la música de Black Sabbath. Y le agradecí eternamente a Cobain que fuera del mismo pueblo que estos tíos. El libreto y la portada del Cd están repletos de inocentes animales de dos cabezas dibujados al estilo de los anuncios de los 50's, cosa que provoca un efecto ciertamente turbador. Las canciones que lo componen son una colección de himnos del calibre de Goin' Blind, Hag Me, Hooch o Joan of Arc, que te transportan a una dimensión muy cercana a la que transitaban los Sabbath de los 70's. Hace dos años pudimos disfrutar en el Primavera Sound con una enorme actuación en la que tocaron este clásico de cabo a rabo el mismo día en que un rato después sentí pena por un Billy Corgan bastante patético.
En 2003 tuve la oportunidad de entrevistar a Osbourne con motivo del concierto de Fantomas, banda paralela a The Melvins, que comparte con Mike Patton entre otros. El tipo me ofreció una de las mejores y más raras entrevistas que he hecho en mi vida. me confesó entre otras cosas que es coleccionista de libros de torturas medievales, cabezas humanas reducidas y de ediciones raras del Necronomicón. Cuando le pregunté por Cobain el tipo se puso a insultar como un loco a la "PUTA de Courtney Love". Luego se confesó fan absoluto de Yoko Ono y acabamos la entrevista. Entonces Patton se acerca a nosotros y me pregunta por un local donde ir tras el show. Yo le hablo del Karma de la Plaza Real y él me pide si la gente de la revista dónde trabajaba lo podíamos acompañar. En esas que se me ocurre invitar a Buzz. El tipo no responde y empieza a mirar nerviosamente hacia el lavabo. De repente se mete bruscamente en el baño y se cierra por dentro. Patton golpea la puerta y pregunta si está bien. Él responde que sí y que le dejemos tranquilo. Patton nos dice que a veces a Buzz le dan puntazos de ese tipo. Después del show fuimos con Patton y los roadies al Karma. Buzz no vino.
Mi aportación al merecido homenaje a los Hellacopters que tan leopardamente estamos haciendo es el arrollador ‘Payin’ The Dues’, que es el disco con el que los conocí y el único que reviso de tanto en cuanto. También sirve como aportación a la sección clásicos de los 90's.
Tengo sus trabajos anteriores y también los posteriores, aunque me da más pereza volverlos a visitar. Tal y como apuntaba Mr. Green Dumb Leppard a partir de ‘Grande Rock’ (preciosa la edición en vinilo transparente) y después de la deserción de Dregen, los helicópteros más satánicos tomaron un rumbo más pausado y setentero, pero yo los prefiero sucios, punkis y garageros.
Los que pudieron presenciar bajo la lluvia del Festimad la última actuación del guitarrista actual de Backyard Babies con los Hellas, juran y perjuran que fue cojonudo. Un servidor los cazó en la mítica actuación de la Sala Apolo de la gira de ‘Grande…’ y seguían siendo brutales. Posteriormente los llegué a ver hasta cinco veces más y nunca volvió a ser lo mismo. Supongo que cuando los despidamos próximamente en la sala que los disfruté por primera vez volverá a ser un momento especial. De momento, aquí os dejo, con los Hellas más salvajes, sucios e indomables…
El único objetivo de este blog es compartir la pasión que nos provocan aquellos artistas que nos remueven algo ahí adentro y nos dan fuerzas para salir a la selva cada mañana. Nuestra idea es sólo dar a conocer a estos artistas, y que los lectores puedan tener la oportunidad de tomar contacto con su música para decidir si les resulta interesante o no. Sobra decir que el único lucro que obtenemos es espiritual, y que desde aquí animamos a todos los amantes de la música a seguir inviertiendo en los artistas, de la manera que la conciencia de cada uno crea más conveniente.
.jpg)
